« Les Envoûtés », l'exposition des lauréats du Prix 1 % marché de l'art
Reportage
Mise à jour le 26/10/2021
Sommaire
Le musée d'Art moderne de Paris accueille du 2 au 31 octobre 2021 « Les Envoûtés ». Cette exposition, inaugurée à l'occasion de Nuit Blanche, rassemble des œuvres lauréates de la deuxième édition du Prix 1 % marché de l’art, dispositif de soutien à la création artistique.
Librement inspirée du roman éponyme de Witold Gombrowicz, cette exposition rassemble cinq artistes dont les œuvres avaient été choisies en 2020, lors de la seconde édition du Prix 1 % marché de l'art présidée par Fabrice Hergott, directeur du musée d'Art moderne de Paris
(MAM).
Dans un contexte post-Covid où chacun a fait l’expérience de la perméabilité du monde et de la fragilité des corps, ces cinq « envoûtés » prouvent la résistance de la pensée créatrice. Ils et elles nous invitent à perdre nos repères dans des univers mentaux et visuels autonomes, et à voyager dans l’espace et le temps, entre Orient et Occident, macrocosme et microcosme.
Les œuvres présentées sont toutes les fragments d’un monde à la fois proche du nôtre et métaphorique, dont ils et elles réinventent les règles avant de nous y plonger.
Le roman Les Envoûtés, écrit en 1939, édité en 1973 puis dans son intégralité en 1990, décrit les expériences de quelques personnages dans un étrange château de 170 pièces, dont d’immenses trésors artistiques resteraient à inventorier. Devenu un livre culte à l’image de son auteur, cet objet étrange dans le domaine littéraire – entre roman fantastique, gothique et noir – est inclassable et impose un univers singulier. Il en est de même pour chacun des cinq artistes choisis pour la qualité de leur parcours et la pertinence de l’œuvre à produire.
Commissariat et textes : Camille Morineau
Vidéo Youtube
Clarisse Hahn
La
série Princes de la rue
de Clarisse Hahn mélange des images d’archives
– documentant les « rapports d’amour mêlés de haine qu’entretiennent l’Algérie
et la France » depuis un siècle – et des portraits réalisés par l’artiste de
vendeurs de cigarettes sous le pont aérien de la station de métro Barbès-Rochechouart.
Combattants d’une guerre invisible et quotidienne, ces hommes en situation
précaire apparaissent, sous son objectif, comme à la fois courageux et
vulnérables. « C’est avec cette élégance particulière au corps oriental qu’ils
parviennent à affirmer leur présence dans cet espace, comme une évidence : la
rue est à eux, ils en sont les princes malgré le lot d’humiliation qui vient avec
chaque journée et ils résistent, le corps dressé comme celui d’un combattant
vainqueur. »
Kubra Khademi
Kubra Khademi évoque dans les 15 dessins composant Pouvoir
et destruction un matriarcat utopique :
celui de la mythologie afghane peuplée de déesses guerrières à la sexualité
libérée. Ces récits, transmis oralement et secrètement par sa mère et sa
grand-mère analphabètes, contrastaient avec la place faite aux femmes en
Afghanistan, une réalité que l’artiste a fuie. Dessiner ces femmes puissantes,
les montrer puis les détruire au cours de performances, résume le parcours
paradoxal de l’artiste.
« En me positionnant dans la situation de détruire
volontairement ces dessins alors qu’il s’agit d’un espace d'espoir pour un
artiste comme moi, j’entre dans un espace où je prends le pouvoir en détruisant
la matérialité de mes œuvres d'art qui devaient exister au-delà de l’acte de la
création. En fait, en les détruisant, en les faisant disparaitre, j’augmente
leur visibilité. »
À noter
L'artiste présente une performance devant ses œuvres les samedis 9, 16, 23 et 30 octobre 2021 à 15 h
Jean-Charles de Quillacq
Au-delà du masculin et du féminin, l’univers de Jean-Charles de Quillacq repose sur le même et la « substituabilité » : une personne peut
prendre la place d’une autre sans entraîner de changement significatif dans le
cours des choses. L’artiste joue en particulier avec son corps et sa
ressemblance avec ses frères et sœurs dont il a reproduit les visages, pour en
fabriquer des masques qu’il porte tour à tour dans un film, comme autant de
variations vécues d’un autoportrait et de demi-altérités.
Getting
a Younger Sister, Thinking to Myself, le
titre du film qui insiste sur la familiarité que l’artiste entretient avec ses
objets, développe une autre forme d’indistinction, mais cette fois-ci entre
désir et travail, entre travail du désir et travail de la production. Dans
cette optique, le travail ne serait alors plus forcément identifiable à ses
produits ; il serait plutôt compréhensible par rapport à ce qu’il est par
lui-même : une production et une pratique de soi.
Louis-Cyprien Rials
« Prendre un objet à première vue simple et découvrir l’aspect le
moins sombre et le moins documenté de celui-ci » : tel est le propos de Drop
Tank, de Louis-Cyprien Rials, une
histoire des réservoirs largables au Laos. Ces réservoirs auxiliaires de
carburant situés sous les avions sont des objets à usage unique, souvent
rejetés sur les territoires de populations victimes de bombardements.
Réutilisés à des fins récréatives en Occident, notamment pour recréer des
voitures de fantaisie aux États-Unis, ils ont été massivement largués dans la
région pendant la guerre du Vietnam.
Le long de la piste Hô-Chi-Minh, les
villageois ont pris le parti de réutiliser ce métal nécessaire, notamment pour
assurer une pêche de subsistance, « convertissant en un moyen imprévu de la
survie d’un peuple blessé un instrument de l’extension du domaine de la mort ».
Louidgi Beltrame
Symbiotic
consciousness est « un film de “science-fiction” qui explore la possibilité
d’une conscience étendue aux ‘existants autres qu’humains’ et la question
ontologique de l’écart entre le phénomène et la chose ».
Louidgi Beltrame y
superpose deux montages de films où archives et prises d’images coexistent,
avec une composition sonore de l’artiste et compositeur norvégien Morten Norbye
Halvorsen. D’un côté, l'observatoire solaire précolombien de Chankillo au Pérou
filmé par l’artiste alterne avec des vues de soleil enregistrées par le
télescope spatial de la NASA, de l’autre, des rushes de la Tomba Brion – une
tombe de l’architecte Carlo Scarpa – dialoguent avec des images réalisées en
microscopie cellulaire montrant l’architecture des cellules vivantes.
« Ainsi,
les quatre régimes d’images mis en jeu dans le montage sur deux écrans de Symbiotic
Consciousness se contaminent, s’interpellent et se recombinent, générant
des perspectives et des possibles quant aux questionnements critiques de nos
mondes. »
Les œuvres en images
Jean-Charles de Quillacq, Getting a Younger Sister, Thinking to Myself, 2021
Credit
courtesy Jean-Charles de Quillacq et galerie Marcelle Alix
Informations pratiques
Entrée gratuite. Un passe sanitaire est à présenter à l’entrée du musée.
Horaires d'ouverture : du mardi au dimanche de 10 h à 18 h - fermeture le lundi
Médiation les mercredi, samedi et dimanche de 14 h à 18 h
L’exposition est accessible aux personnes à mobilité réduite
Une aide à la visite de l'exposition est téléchargeable ici
Horaires d'ouverture : du mardi au dimanche de 10 h à 18 h - fermeture le lundi
Médiation les mercredi, samedi et dimanche de 14 h à 18 h
L’exposition est accessible aux personnes à mobilité réduite
Une aide à la visite de l'exposition est téléchargeable ici
Bus
Lignes 32 (Iéna), 42 (Alma-Marceau), 72 (Musée d'Art moderne), 80 (Alma-Marceau), 82 (Iéna) et 92 (Alma-Marceau)
Métro
Alma Marceau, ligne 9
Iéna, ligne 9
Velib
Station 8046, 2 rue marceau
Station 16007, 4 rue de longchamp
Station 8045, face 3 avenue montaigne
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